田湯は人気アニメのキャラクターやステージで歌うアイドル、または植物などといったモチーフを、うねりのあるフォルムや、力強いタッチで描いてきた。近年では、彼女の新たな表現行為として、もともと描いていた自分の作品に、黒を中心とした暗色で塗りつぶす行為が加わった。この方法を選ぶようになったのには、身近な人物の死を経験したことがきっかけの一つになったのではないかと田湯の母は語る。毎日、朝から夕方まで、多くの時間を描くことに費やす彼女にとって、絵の表現は自身の心のあり様と密接にリンクする営みであるといえるだろう。

Tayu has been drawing motifs, such as popular anime characters, idols who sing on stages, and plants, in undulating forms with a powerful touch. In recent years, she has added her original creations as a new form of expression in which she colors her previous work in black. Her mother believes that the death of someone close to her lead her to express herself in this way. Tayu draws every day from early morning until evening, and what she expresses in her drawings reflects what’s in her heart.

中学生のころから書き溜めた、空想のサイボーグ「ジョバンニ」にまつわる一連の紙片を佐藤は常に持ち歩いている。ジョバンニは当初、人類を殲滅させることを目的に創られたが、やがて他者からの愛を得たいと感じるようになっていく。SFに造詣が深い佐藤は、既存のアニメや小説作品ともリンクさせながら、頭の中で物語を編み上げてきた。名前の由来は、宮沢賢治の『銀河鉄道の夜』の主人公から。佐藤は自らの経験や思いを一連の表現に込めているという。その点、ジョバンニは作品と言うよりも、彼自身の思想が色濃く表れた、「分身」という言い方が適切なのかもしれない。

Sato always carries with him a series of papers which depict Jobanne, an imaginary cyborg that he created when he was a junior high school student. Originally, Jobanne was created with the aim to destroy humanity, but over time, it started feeling the need to be loved by others. Sato is a sci-fi aficionado and has been creating stories in his mind while connecting them to existing animations and novels. The origin of the name is “Night on Galaxy Express” by Miyazawa Kenji. Sato claims he brings his experience and thoughts into a series of expressions. In that sense, Jobanne is Sato’s alter ego that expresses his thoughts rather than his work of art.

中嶋はアクリル絵具を用いて、動物や昆虫、恐竜の絵をダイナミックに描く。彼女が本格的に制作に取り組むようになったのは、特別支援学校の美術教師が開催していた創作ワークショップに参加したことからであった。動物図鑑や昆虫図鑑からモチーフを探し、描きたい対象を見つけると、凄まじい集中力で制作に取り組むという。「病気の影響で行動に制限がある彼女にとって、絵は自身の世界を表現する大事な手段なのではないか」とワークショップを開催した美術教師は、中嶋の創作について語った。

Nakajima charismatically draws pictures of animals, insects, and dinosaurs using acrylic paint. She started to create with sincere and intense conviction after attending a creative workshop held by an art teacher at a special-needs school. She looks for motifs in picture books of animals and insects and creates with deep concentration. When describing her work, the art teacher who held the workshop said, “Drawing is an important means of expressions for Nakajima whose actions are limited by the effects of illness.”

五井の行為ははじめ、人知れず行われていた。通所する施設の床に落ちている、毛を拾い集め、それを細かく結び合せて、繋げたり、編み込んだりするのである。手先が器用な五井は、この行為とは別に切紙細工も制作している。それらが評価を集める中、支援員がこの髪結びの行為にも目を向け、展覧会に出品されるようになり、注目が集まるようになった。普段は特に目もくれないような抜け落ちた髪が、五井の指先の技によって集約され、新たな形が与えられるプロセスには、日常的なモノが美的性質を宿していく驚きが感じ取れる。

Goi’s work went unnoticed at first. He picks up hair that has fallen on the floor of the facility where he is placed in, ties them precisely, and joins or weaves them. With his skillful hands, Goi also creates cut paper art. Goi’s talents of tying strands of hair caught the support staff’s attention. They started to display his work at exhibitions, turning the spotlight to Goi’s work. His creative process of collecting fallen hair that goes unnoticed and transforming it into a new forms makes you feel how there is unexpected beauty everyday objects.

木村による制作は、一定の規則性のもと繰り返される。画用紙をはみだすほど勢いよく描くため、かすれている部分や、画用紙からはみ出したマーカーが以前に描いた時の色と混ざり黒色が付着することによって、線の連なりに陰影が生まれる。一枚の絵は約2～3分で完成する。マーカーを走らせる時の「キュッキュッ」という音や、マーカーが画用紙から画板にはみ出す時の「コトンコトン」という音が気に入っているようで、木村が描く行為は、身体に伝わる感触と深く結びついている。反復し続けることの高揚感のようなものが根本にあるのかもしれない。

Kimura creates on regular basis. She draws so vigorously that the marker pushes through the drawing paper. As a result, the blurred parts and the marker that pushed through from the drawing paper mix with the colors that were used in the previous drawing, creating shadows in the series of lines by rubbing off black color on it. She takes about 2 or 3 minutes to complete one drawing. She likes the sound that the marker makes when she draws the lines, and when the pen leaves the drawing paper. Her drawings are deeply connected to the way she feels such sensations being transmitted to her body.

幼少のころから仏像鑑賞に関心があったとのことで、実際に仏像を鑑賞し、記憶として残ったイメージをもとに作られている。生み出された作品は、菩薩や如来などを思わせつつも、素朴でおおらかな表情を携えている。初期のころは、線描を用いた絵画的な表現であった。それが制作するにつれて、細かなモチーフを貼り付けた像へと変化していった。作陶以外にも仏像の絵も描いていたそうだ。どの作品にも特有の親しみやすさがあり、対象への温かな眼差しと愛情が感じられる。

Kimura said he was interested in Buddha statues since childhood and he creates based on those memories. The works that he creates carry a genuine and easygoing expression that reminisce Bodhisattva and Nyorai. At first, the expressions were picturesque using line drawing. But as the drawing developed, it transformed into an image with a detailed motif. He drew Buddha statues in addition to pottery. Each work created by Kimura displays a unique sense of familiarity making the viewer feel a warm look in the eyes and affection.

松本が暮らす福祉施設の自室の中に、中身の詰まった黒いビニールのゴミ袋が鎮座していた。その上には空き箱も置かれている。この物体は、支援員から「オブジェ」と呼ばれる松本の制作物である。オブジェには、空き缶や空き箱、玩具、そして自分の描いた絵もこの中に入れ込まれている。ゴミ袋の中にも、置かれた空き箱にも自分の絵が入っている。はじめは衣服を積み上げる行為だったが、やがて中に物を詰め込むようになった。途中、衣服がゴミ袋に変わったり、空き箱の代わりにスリッパが置かれるなどの変遷を辿るも、彼にとっての大切な何かとして、このオブジェは作られ続けている。

A black plastic garbage bag full of things was found in the room of the facility where Matsumoto lives. An empty box was also found on top of it. The support staff called his work“Objects". The objects include empty cans and boxes, toys, and pictures he has drawn. At first, he was only stacking clothes, but eventually things started to get packed inside. In this process, clothes have been turned into garbage bags and slippers have been put into empty boxes but for him, it is an important object that is still being created.

町を俯瞰的に捉えた彼の絵には、車がすし詰めになっている。絵を描くために使うのは、定規とボールペンであり、非常に規則正しくスピーディに描かれていく。支持体にはカレンダーの裏を選ぶ。滑りがよく描きやすいのがその理由である。大量に描かれる車はすべて実在のモデルがあり、彼は車種、年式まで把握した上で、一台一台描き分けている。戸舎の絵のベースになっているのは、彼が勤務先に通うバスの車窓風景だ。はじめは画中に人物も描かれていたが、近年では描かれなくなったという。彼の絵の中では、規則的な線が構造を織り成し、建造物と車のひしめく無人の世界が展開されている。

Toya's drawings show jam-packed cars in the city captured from a high angle. He draws quickly like a clock with a ruler and a ballpoint pen. He uses the back of a calendar as a support because it is easy to slide on. All the cars that he draws are real models and he knows the model and year of each one of them. The base of his drawings is the view from the window of the bus that he rides to go to work. He used to draw in people at first but in recent years, he has removed the people. In his drawings, he intersects regular lines with the structure, unfolding an uninhabited world of buildings and cars.

なにげない日常の情景を捉えた田中の画面は、緻密な線と淡々とした色彩、そして隅々まで行渡る注意深い描写で充満されている。対象となる動物や人の姿だけに焦点が当たっているのではない。建物や周囲の風景、背景の処理にまで細やかな気遣いがなされている。それでも決して神経質な描写ではなく漫画のような飄々感と仄仄とした情感に溢れているのは作家の個性によるものだろう。田中が利用している地域活動支援センターで制作活動の時間が設けられたのを契機に絵を描き始めたのは30歳を過ぎてからのことである。緻密な描写が多い作品には一月以上もかけることがあるという。

Tanaka’s painting surface capturing the ordinary everyday scenery is filled with fine lines, soft colors, and carefully depicted in every corner. It is not only the subjects of animals and humans that are focused, but buildings, surrounding scenery and the background processing are done with thoughtful care. His depiction style, however, is not tense and filled with emotions like elusiveness and warmth found in comics. Tanaka was over thirty when he started painting at a local activity support center as it was opened to the artistic production. Sometimes it takes him more than one month to complete a work of elaborate depictions.

今展の出品作は画用紙に鉛筆で描いた似顔絵のシリーズである。秋永は人物だけでなく、風景や静物など様々なものを描いてきた。対象に応じて、水彩や色鉛筆など画材も使い分ける。どの作品も魅力的で、とくに昆虫は学名が英字で書き込まれたりしていて、専門的な関心を窺わせるほどだ。だが今回このシリーズに絞ったのは、似顔絵だけに共通の新奇な様式化が見られたからである。似顔絵は黒の鉛筆だけで、筆圧強く塗りつぶしたり濃淡を描きわけたりする独特な方法で描かれる。対象とする人物の写真を見ながら忠実に写しているそうだが、顔の部品には別の物体や記号にも見えるものが散りばめられている。顔に続けて下半身が描かれているものもある。ヒトの手足や胴体というより、顔の部品と同様、秋永が好んで描く昆虫や家具の一部に見えたりもする。似顔絵のモデルには、施設のスタッフや友人のほか、TVや映画に登場する芸能人もいる。

His works shown in this exhibition are a portrait series drawn on drawing paper with a pencil. Akinaga has drawn not only figures but also various things including landscape and still life etc.. He uses different tools such as watercolor, color pencil, etc. according to the subject. All works are attractive, and his specialized interest for insects is suggested, for example, in their scientific and English names written along. The reason why only his portrait series is introduced this time is that a new stylization common to his portraits can be observed. The portraits are drawn in a unique style, only with a black pencil and with strong writing pressure, drawn in sheer black like in a coloring book and in high contrast shading. Akinaga himself intends to copy the photograph of a person faithfully, but some different objects and those that look like signs are scattered around on the facial parts. Sometimes the lower part of the body is drawn just below the face. Instead of human limbs and body, they sometimes look like insects or a part of furniture that he likes to draw besides facial parts. Models for his portraits include the staff at the facility, his friends, and show-business talents appearing on TV and movies.

実際に見た風景やTVで見た光景を描く仁井の絵の中の形は、積み木で組み立てられたものか舞台の書割りみたいに作り物的である。ふんだんに盛られた絵の具と墨汁による太い輪郭線のためにそう見えるのか。出品されている10点のうち2点は段ボールに描かれたものだ。仁井の創作意欲は旺盛なもので、週5日通っている工房まるのアトリエで、１日に5点仕上がることもある。割り当てられた画用紙では間に合わず、段ボールやポスターなど印刷物の裏面にも描く。段ボールは好きな大きさに切ってから描く。紙も気に入りのサイズがなければ貼り合わせて描いたりもする。
　劇場や会議室のような場面、相撲道場、橋や公園など誰にでも見慣れたものが、仁井の手にかかれば、架空の世界に変貌する。見る人はみな物語の劇場に誘い込まれることになる。このように滑稽味のある仁井の作品は、2016年花乱社から刊行された『ぼく色のレインボーー仁井将貴作品集』にまとめられている。

Forms painted in the pictures by Nii, who depicts scenery he has seen himself or on TV, look artificial resembling something put together with blocks or stage setting. Do they look artificial because of heaped up paints or thick outlines drawn with india ink? Two out of ten works that are in this exhibition are painted on cardboard. Motivated by creative urge, he sometimes finishes five works a day at Studio Maru where he commutes five days a week. As the number of sheets of drawing paper given to him is not enough, he draws on cardboard and the back of printed matter such as posters. He cuts cardboard in the size he prefers and then draws on them. He also pastes sheets of paper together when he cannot find the right size.
Places that look familiar to anyone such as theater, conference room, sumo training hall, bridge and park are transformed into an imaginary world by Nii. Those who look at them are invited to the theater in his story. The humorous works of Nii are put together in “Boku-iro no Rainbow—Collection of Nii Masaki’s Works,” published by Karansha in 2016.

大隈の画面では短い縦の平行線で埋められた単位がモザイク状に積み上げられて、風景や生活の情景が組み立てられる。部分を見ればストライプやグリッドで構成された抽象絵画である。だがコツコツとゆっくりと埋められたらしき線には自然な感触があり、柔和な色彩と同調して、微笑ましさが漂ってくる。大隈が日々の生活の中で出会ったものごとを記憶に基づいて描いているのだから、その親密さの由来がわかる。内部に交差する線が走っている円が並んだ絵(12)はサッカーボールとコートに引かれた線から成っている。丼鉢の整列(13)は仲間と行ったラーメン屋、コーヒーカップの集まり(15)にはコーヒータイムの場面が描かれている。家や生け垣やビルの展開図(17)を走りめぐる曲線は道路を示しているそうだ。自身が街を歩いた経路が示されているのかもしれない。どの場面も記憶の断片から生まれてきたものだったのだ。

In Ohkuma’s picture, units filled with short vertical parallel lines are piled up in a mosaic form, and they construct scenery and everyday scenes. Partially it looks like an abstract picture composed of stripes and grids. The lines that seem to have been filled steadily and gradually have a natural touch, and coming in soft colors, there is an air of pleasantness. As he draws what he comes across in daily life, based on his memory, we know where this closeness comes from. The picture (12) in which circles with crisscrossing lines inside are put in a row consists of lines drawn on a soccer ball and its field. “Alignment of Bowls” (13) depicts the ramen restaurant where he visited with his friends, and “Gathering of Coffee Cups” (15) depicts a scene of coffee break. The curved lines running around houses, hedgerows, and a building development (17) show roads. They might be the routes he took walking around town. Each scene was a product of the fragment of his memory.

グリッドや平行線、あるいは並んだ円に画割りされた単位の中に雲型や渦巻曲線の組み合わせによる形態がおさまっている。かと思えばジグソーパズルのようにその雲型や渦巻き型が貫入しあい連なっている。古代人の残した呪術的な紋様のようにも見える。意味は読みとれないが、解読できたならば、様々な祈りや約束事が現われたるするのではないか、とそんな夢想を掻きたてられる。個人や時代や地域を超えた普遍的で神話的な形象となっている。赤嶺がこのような紋様で構成された画面を作り始めたのは、施設内に作品発表を前提とした「創作クラブ」ができ参加した10年ほど前のことである。サークル活動で描く絵は人物画だったのだが、他のサークル仲間とは別に自室で自ら調達した画用紙に描くときにこの紋様風の作品が出現していた。そのうち自身の独自性を自覚し、この作風に傾倒していく。展覧会で作品を発表する機会ももて、創作意欲が高められてきたのだ。

In units divided by grids, parallel lines or lined-up circles, combined forms of cloud shapes or swirls are placed. In others, such cloud shapes and vortexes interlace each other like jigsaw puzzles. They look like magical patterns left by the ancients. It is difficult to know their meanings, but they stir our imagination so that various prayers and promises might appear if we could read them. These shapes are universal and mythical transcending individuals, time and region. Akamine started to create picture planes using such patterns about 10 years ago when he began to participate in “Sosaku Club” (creation club) at the facility on the premise that their works would be exhibited. He used to be a portrait painter in the club when he participated in extra-curriculum activities, but he made works using these patterns when he drew on his self-procured drawing paper in his own room apart from other club members. Gradually he became aware of his uniqueness and was inclined to this style. As he was given more opportunities to present his works in exhibitions, he became motivated to create.

後藤は小さな花をいくつも描き、無数の色彩がひしめき合う抽象的な絵を作り出す。彼女が所属する福祉施設の支援員が小さな紙にたくさんのカラフルな花をぎっしり描いているのを見つけ、画用紙を渡したことをきっかけに、画用紙いっぱいに花を描いたのだという。そこから作品が展覧会で紹介されるようになった。コミュニケーションが苦手だったという後藤だったが、絵を通して彼女自身のコミュニケーションも増えていったという。最近は花の数が減り、「○、□」といった記号が多くみられるようになった。これらは葉っぱを表しているとのことである。

Goto draws many small flowers to create an abstract drawing with infinite colors. She found out that a support member of the welfare facility to which she belongs drew many colorful flowers on a small piece of paper. She was given that piece of paper and drew many flowers on it. Goto was not good at communicating, but her communications skills improved through drawing. Recently, she has drawn fewer flowers and now symbols like ○ and □ have become more common. It is believed that these symbols represent leaves.

姫野が動物の絵を描き始めたのは、絵画教師の勧めにより、それまで習っていた水彩画から、ペン画に切り替えた19歳のときからだ。画用紙に割り箸ペンでインクを漬けながら、下描きもなく一気に描く。黒一色で描かれた動物たちの身構えや表情が意表をついていて笑いを誘う。動物図鑑を見て描くらしいので、図鑑にもこれらに近いポーズで載っているのだろうけど、姫野流の脚色があるに違いない。種類は異なるのに、ひとつの物語に登場する仲間たちではないかと思わせる、なにか共通の息遣いが感じられる。横向きの姿勢の犀やチータは、まっすぐ前方を見つめているけれど、その他の動物たちは画面の中からこちら側へ見事に視線を向けている。描き手との密かな対話が始まったところなのかもしれない。昨年、地元別府市に開店したスターバックス・カフェに作品が常設展示されたことが、このうえなく嬉しかったそうだ。

Himeno began to draw animals when he switched from watercolors to pen-and-ink sketches at the age of 19. His art teacher recommended this technical change. He dips his disposable-chopstick-pen in ink and draws freehand on drawing paper without a draft. Postures and facial expressions of animals drawn in black ink are unexpected and cause laughter. As he seems to draw consulting the illustrated encyclopedia of animals, the animals must be depicted as taking such poses in the encyclopedia, but there must be Himeno’s adaptation. Although they are different animals, they have something in common and look like friends appearing in a story. Rhinoceros and cheetah seen from the side are looking ahead, but other animals are looking straight at us from the pictures. Their secret dialogues might have just begun as they are looked hard by artist Himeno. He was extremely excited last year when his works were permanently exhibited at Starbucks café that opened in his local Beppu city.

画用紙の中央に酒瓶が居座り、周囲に文字や数字が書き込まれている。酒や焼酎の瓶には商標が書かれ、銘柄を示す挿絵や意匠も描かれ、色彩や割付も実物のまま描写されている。周囲の文字は製造元の会社名や住所、価格、製造法、素材となる穀類の種類や度数までを示している。念が入れば売込口上や古酒の由来なども書かれている。こう述べると販売広告かと誤解されそうだ。けれどもクレヨンや色鉛筆の塗り跡は瑞々しく、手書きで縦横無尽に並んだ文字を見ると、宣伝が目的ではなく、むしろただ描く対象として酒瓶が選ばれているのだとわかる。この酒瓶のデザインや銘柄への執拗な関心は何なのか、という謎が作品をいっそう魅力的にしている。
犬塚は幼少期から父親が自宅で開く酒宴で眼にした酒瓶の色や形に魅了されていた。その頃描いた風景画などにも、どこかに酒瓶が潜んでいた。そのうち酒瓶が主役となる。最近では酒蔵巡りもはじめ画題のリサーチに励んでいる。

Sitting in the center of a drawing is a sake bottle, and the text and numbers are written around it. Written on the sake and shochu bottles are the trademarks of liquor and the illustration or design of the brand is depicted in the same colors and layout as the real ones. The text around them includes the distiller’s name, address, price, ingredients of the liquor and production method such as kinds of grains in the materials and the alcohol content. If necessary, he adds more detailed explanation such as sales statement and its history if it is a vintage liquor. They might be understood as a page of product advertisement. However, traces of crayons and color pencils are lively, and it is understood that handwritten characters, not in printing type but arranged freely, are not for the purpose of advertising, and the sake bottles are simply chosen as the subject for drawing. We wonder where his persistent interest in the sake-bottle design and brand comes from, and this question makes the works even more attractive. From early childhood Inuzuka was attracted to colors and shapes of sake bottles that he had seen when his father threw parties at home. In his early landscape drawings, some sake bottles hid somewhere. Soon the sake bottle itself became the subject and the present drawing style was established. Recently he began visiting sake brewers and is now engaged in the research on the subject for painting.

ラスコー壁画から抜け出してきたのか？大群を成す動物たち、牛や馬、象、キリン、豹に鹿、ライオン、山羊や水牛もいる。みな画面の右から左へ向かって行進している。駆け出すポーズの一群や、のろりと歩いている群れもいる。猿や鳥は画面の上方で枝にぶら下がり、飛び回りして行列を眺めている。この行進はどこへ向かっているのか、何を目指しているのか？所々に日本、アジア、ヨーロッパなど世界の地域名や国名があるので、動物図鑑の生息分布図なのかと目を凝らすが、各部分で分類のちがいは見られないので、行列の順番は思いつくままなのだろうと察せられる。坂口は中学生のころから動物群を描き始めた。はじめ単体の紙だったものが、あるとき突然紙をつないで描き続けるようになった。鉛筆やボールペンで輪郭を描き、色鉛筆とポスターカラーで着彩していく。学校や事業所と自宅を行き来するときも巻いた紙や画材を持ち歩き、どこでも制作できる方法を見つけている。

Did they escape from Lascaux Mural? It is a large group of animals—cows, horses, elephants, giraffes, panthers, deer, lions, goats and water buffalos. They are all moving from right to left in the picture. Some groups are in motion to start running while others are walking slowly. Monkeys are hanging from branches and birds are flying around, looking at the procession in the upper part of the picture. We wonder where they are headed for and what they want to do. There are names of regions or nations in the world such as Japan, Asia, and Europe, so we wonder if it is a population distribution map in an illustrated reference book of animals, but the kinds of animals painted in each section are the same, so the order in the procession seems to be just as they occur. He started to draw pictures of groups of animals when he was a junior high school student. First, he drew them on a sheet of paper, but one day he started suddenly to connect sheets of paper to draw on them. He draws the outline with a pencil or a ball-pointed pen, and then he colors with color pencils and poster colors. He always brings his paper and paint materials with him when he commutes to school or the facility. Thus, he finds a way to work on his picture anywhere.

鮮やかな色が画面上に溢れかえる城の作品。近寄ってみると実は、ウサギやクマ、カエルなどの具体的な対象が一枚の紙に大量に描かれていることが分かる。様々な色で描かれる生き物などが何層にも重なり合い、色彩豊かな抽象性を帯びた作品になっている。城がこの画風で絵を描き始めたのは、小学校高学年頃のことであったという。描くときは画用紙を上下左右に回しながら素早くペンを走らせ、1枚当たり10~15分程度であっという間に仕上げていくという。

Jo with vivid colors overflowing the surface of the drawing. If you get close, you can see a lot of specific objects such as rabbits, bears, and frogs on the piece of paper. Living creatures have been drawn in various colors that overlap in multiple layers, creating a colorful abstract work. It is said that Jo started to be drawn in this style when she was in the upper grades of elementary school. When drawing, she moves the pen quickly while turn the paper up, down, left, and right, and completes each work quickly in 10 to 15 minutes.

東京で生まれ育ち、現在は父親の出生地である唐津にて、農業に携わりながら作品制作に取り組んでいる。今の絵画のスタイルは、30歳の頃に入院したことがきっかけだと本人は言う。リハビリを兼ねてサークル活動で絵を描き始め、日々繰り返すうちにいつしか習慣となった。彼の作品は、ご先祖様から受け継いだ写真をモチーフとしていることが多い。どこの国で撮影したのか。何をしているところを撮ったものなのか。思いを馳せながらモノクロの写真に、彼なりの色彩を加えていく。無心で制作に没頭している瞬間が、一番の幸せを感じる時だ。

Kamo was born and raised in Tokyo. He currently works in agriculture in Karatsu, where his father was born, while creating works of art. Keinichi says that his current style of drawing originated when he was hospitalized at the age of 30. He started to draw in group activities in rehabilitation every day and when he realized it, it had become a daily habit. His work is often inspired by photos that he inherited from his ancestors. He thinks about the country where the photos were taken, what they were doing at that time, and adds color to the black and white photos. He feels the happiest when he is absorbed in creation and in the zone.

特別支援学校に通う高校3年生、末廣くんは、中学部1年生のころから絵を描くのが好きで、学校で20分間の休み時間に描いて、その都度完成したり次の休み時間に続きを描いたりしている。A4のコピー用紙を色鉛筆で埋めていく。しっかり塗り込んで余白も隙間もなく色面で埋められ、時々日付や食べたものの名前など文字も書かれている。対象が何であるのかに関わらず短い棒線が並んでいるものもある。なにを描くかといえば、ハンバーガーやアイスクリームやチョコレートなど大好きなものたち。単純化された形態は抽象絵画にも見えて、チョコレートなどは石畳模様のようだ。2019年に始まった佐賀県の福祉事務所が企画する「がばいアーティストたち」展に昨年、今年と続けて参加している。

A special support school senior, Suehiro has been fond of drawing pictures since he was a seventh grader. He draws during a 20-minute break at school, finishing something there or continuing to draw during the next break. He fills the A-4 copy paper with color pencils and draws all over without any vacant space, filling it in colors, and sometimes writes down the date and names of food he ate. Sometimes he lines up short bars no matter what the subject is. He draws what he loves such as hamburgers, ice cream and chocolate. Simplified forms make it look like an abstract picture, for example, chocolate looks like a stone pavement. He participated, last and this year, in “Gabai Artists” exhibitions run by a welfare organization in Saga Prefecture which started in 2019.

中学生の頃にTVでみたドラマ「裸の大将放浪記」で山下清の作品を知り感動してちぎり絵・貼り絵を始めた。折り紙用の色紙を小さく1mmから10mmほどまでの様々な大きさに指で粉砕し、それを爪先で拾いあげ、画用紙にスティック型の糊で貼っていく、気の遠くなりそうな作業で絵を仕上げていく。A3からA2の画用紙なら2-3ヶ月、大作になると1年半をかけるものもある。紙片の大きさや色の違いを組み合わせ、陰影や立体感を表出する。最近では次第に技術は巧妙で独創的なものとなり、色紙で紙縒りを作って画面を部分的に盛り上げ、物体が突出して見える効果を得ている。画題は自宅で飼う猫や近辺の風景など身近なものから、曼荼羅や神話の世界、そして四季の推移をひとつの大画面にまとめた構想画にまで拡がっている。今展出品作では港の光景か、海からの成果を上げた漁師とその獲物を狙う猫の愉快な一コマ、そして地元玉名の大俵まつりの情景が活き活きと表現されている。

As a junior high school student, he saw a TV drama of “Hadaka no Taisho Horoki” and was impressed with Yamashita Kiyoshi’s works and started to make “chigiri-e” (collage of pieces of colored paper) and “hari-e” (pasted collage). He tears colored paper (origami) in different sizes from 1mm to 10mm. He picks them up with fingernails and pastes them one by one on drawing paper with a stick glue. It takes an excessive amount of time and concentration to finish a work. It takes him two or three months for a work of A3 to A2-size drawing paper, and it would take about one and half a year to finish a large-scale work. By combining different sizes of paper and various colors, he creates shades and three dimensional effect. Recently, his technique has become more advanced and original. He twists a slip of origami paper and partly heaps it on the surface and creates such an effect that the object looks protruding. His themes include familiar things like his cat and the scenery of the neighborhood in addition to Mandala, the world of myths and a grand painting depicting changes of four seasons. His works in this exhibition show amusing scenes that he might have seen at a port, a fisherman pulling up his catch in fishing and a cat hunting his prey, and a lively scene of Big Tawara Festival in his local Tamana City, Kumamoto.

毛髪よりもっと細かな、形容しがたく微細な線に刻まれた小さな紙片がどのように作られたのか、見てすぐにわかる人は多くはないだろう。藤岡が鋏を手にして瞬く間に紙に切れ目を入れていく行為を目撃し、刻まれた筋が螺旋状に巻き上がったオブジェを見たならば、驚き感服するのだ。藤岡が紙を刻み始めたのは6歳の頃からである。２歳から指で紙を千切って遊んでいるのを見た祖母が鋏を渡して以来、紙刻みが始まった。初期はマチスの切り絵に近いもので、切り出される形態は細長いものが多かった。刀のような魚、蝋燭か縦長の瓶かが並んでいるもの、そして櫛形の切れ目が平行に並ぶもの、この辺りから線条の刻みに発展したと思われる。3〜5cm幅ほどの紙片に上辺に10mmに満たない帯を残し無数の刻みを入れていく。すでに何かのかたちではなく、藤岡祐機の作品以外の何物でもない。紙片は印刷物の部分である。巻毛状に刻まれた線は裏面の色彩をちらちらと覗かせて揺らめく動きや光さえ感じさせる。

Not many people would know instantly how this tiny piece of paper cut with extremely fine lines is made. If you saw Fujioka using scissors to make cuts in a piece of paper and twist them instantly into a spiral form, you would be surprised and overwhelmed by this object. He started to cut paper like that since he was six. When his grandmother saw him tearing paper with his fingers when he was two and gave him scissors, he started to cut paper. In the beginning, they looked like Matisse’s cut-outs. Many of them were narrow and long. They looked like sword-like fish, a row of candles or thin bottles, and comb-shaped cuts in parallel. Then it seems that they turned into striated cuts. A strip of paper with the width of about 3 to 5cm is cut countlessly leaving less than 10mm of paper on top. It is not after a shape of something and is nothing but Fujioka Yuhki’s work. Strips of paper are part of printed materials. The spiral-shaped lines show the colors of the back here and there, and they even make us imagine swinging movements and light.

高校２年時に主治医の助言を得て、文章を書いたり油絵、手芸、園芸などの創作活動を始めた。手先の器用さを利用してレースや毛糸で編んだもの、リボンなどをキャンバスに貼り付け、その上から油絵の具で彩色する独自の画面を作ってきた。編んだ糸や紐が創り出す、渦巻や逆U字型の畝るような勢いの線が力動感を引出し、加えられた原色の色彩がそこに輪をかけて力強い形象を生みだしている。淡い色彩や沈み込む暗色も含まれているが、それらが組み合わされ独特の陰影が醸し出されているのだ。曲梶はこの立体感のある糸や紐のコラージュのほかに、自身で栽培した植物の写真を撮影し、それらと印刷物から拾い出した画像の断片を組み合わせたコラージュ作品もある。実在する物の写真を集めても大きさを変えたり思いがけない組み合わせを見つけたりして、あり得ない世界が表れることを楽しんでいる。

When she was a high-school junior, she started to express herself through creative activities such as writing, oil painting, handicrafts and gardening to follow her doctor’s advice. Using her dexterity, she pasted, on canvas, ribbons and what she knitted using lace and wool, and painted with oil paints on top of them to create her unique picture. Swirls or inverted U-shaped rolling lines created by woven threads or cords brought out a feeling of energy and furthermore, primary colors created a powerful image. There are also pale and dark colors, and their combinations generate unique shades. Besides these protruding collages of threads and cords, Magarikaji made two-dimensional collage works in which she combined pictures of plants she cultivated herself with scenery and fragments of images she picked up from printed materials. Even when she collects photos of real things, she changes their sizes or discovers unexpected combinations to enjoy creating an unreal world.

何というミクロの世界だろう。松本が色鉛筆と水性ペンを使って埋めていく画面は微小な形態で余すところなく充たされている。全体が幾何学形態なのではなく、風景や地図、乗り物や物語の場面が描かれている。たとえば世界地図は4枚組で、そのうち3枚には内部がオレンジと赤・黄のモザイクに分割された円が無数に散らばっている。1枚だけには真ん中に同色のモザイクからなる大きな円が居座っている。残りの1枚は、モザイクが今度は青の濃淡と紫に組まれていて、中央の楕円形の中に世界地図がおさまっている。地球も大きな天体の一部であり、無数の惑星の群れの中に太陽や地球が存在している。宇宙の構造もミクロの集合ならば、異国の風景や戦の象徴も紋様の集まりからなっている。松本の関心は、太古の生物から、近世の歴史物語、多種多様の民族国家からなる世界の構造、そして宇宙の成り立ちにまで、幅広い時間や空間を意のままに飛び回っている。

What a microcosmos! The picture plane Matsumoto draw on with color pencils and water-based pen are filled with microscopic forms. The whole picture, however, is not geometrically abstract and landscape, a map, vehicles and scenes of a story are depicted. For example, this world map is made up of 4 sheets, and scattered on the three of them are countless circles divided by orange, red and yellow mosaic. In only one piece big circle of the same color mosaic appears in the center. On the remaining sheet, the mosaics are made with purple and light and dark shades of blue, and a world map is contained in the oval shape in the center. The earth is a part of much bigger universe, and the sun and the earth are among numberless clusters of planets. While the structure of the cosmos is an assembly of microcosmos, the foreign scenery and the symbol of war are also made with clusters of small patterns. Matsumoto’s interests hop around in a wide range of time and space from living beings in ancient times, historical stories in modern era, the structure of the world consisting of a wide variety of nation-states to the composition of the universe.

3号か4号のキャンバスに描かれているのは、労働する人の姿と猫のいろいろな姿態という2種類の作品群である。どちらも黒いくっきりとした輪郭線で囲まれている。大好きな猫の絵を描いてきたそうだが、テーブルに乗っかり横たわる猫、よく見る仰向けのポーズ、回転するものに目を奪われている猫、そして小高い丘の頂上で遠くを眺めている後ろ姿など、いずれも猫らしさを知りぬいた人の視線が掴まえたものに違いない。労働する人の像では、基礎を打つ人、火花を散らしてなにか溶断する人、壁に向かってハンマーを上げる人など、建設や土木作業に専念している人物の一瞬の動きが絶妙に表されている。1970年代後半から本格的に油彩画を始め、100号キャンバスに挑み、二科展や宮崎県美術展のような公募展にも出品してきた。現在では小さなキャンバスにアクリル画材で描くことが多くなった。親密な画題にはこのサイズが好適である。

Two groups of paintings depict workers’ figures and different poses of cats on No. 3 (width: 273mm) or No. 4 (width: 333mm) canvases. What stands out is that the figures are outlined with sharp black lines. She has been painting cats as she loves them, and those painted cats show that the artist knows cats well enough to convey their attractiveness; a cat lying on the table, cat lying face up, cat fascinated by a spinning thing, and the back view of a cat looking afar from the top of a small hill. As for the images of working people; men working at a construction site forming the foundation, melting something giving off sparks, and raising a hammer in front of the wall are well captured. She started to work on oil painting in the second half of the 1970s. She has challenged No. 100-size (w: 1620mm) canvas and shown her works at the Nika and Miyazaki Prefectural Exhibitions. Nowadays she often paints on a small canvas using acrylics. This small size is suitable for painting familiar subjects.

中武は小学生の頃から、眼にするものを次々と、葉書大の用紙や使用済みカレンダーの余白などに描いてきた。身辺にあるものを対象とし、また学校の行事や友人、教師の肖像も題材となる。変哲のないものがほとんど抽象と見えるまで単純化されている。書込文字を読めば納得するが、見ただけでは識別しがたいものも多い。自身の食事の記録には内容のメモが、広告印刷物の中で見つけた食材や食品には、宣伝文句が添えられている。日記とも落描きとも見えるこれらの紙片とは別に、A1画用紙いっぱいに描かれる作品群もある。大輪の花や葉が堂々と画面を占めている植物のシリーズには青や紫の単色クレパスで塗られたものと、黒のクレパスによる線描がある。同じように画面いっぱいの人物画もある。2014年18歳のときに宮崎市美術展に初入選、2019年には大賞をとり無鑑査となっている。

Since he was an elementary school student, Nakatake has been drawing what he saw one after another on postcard-size sheets of paper and in the margins of used calendars. Anything that was close to him could be the subject matter, and he sketched school events, his friends’ and teachers’ portraits. What was ordinary was simplified to look abstract. By jottings on the work we know what is drawn, but many subjects are hard to tell by just looking at them. For the drawing to record his meals, he added the memo of the contents, and for food materials and products that he found in advertisements, he added catchphrases. In addition to these pieces of paper which look like a diary or graffiti, a group of A1-size drawing paper has been produced. In his plant series in which the pictures are filled with majestic large flowers and leaves, there are those drawn in a single-color pastel crayon of blue or purple and drawings in black pastel crayon. In the same way, there are figures’ heads in portraits. In 2014, when he was 18, his work was accepted for Miyazaki City Exhibition for the first time, and in 2019, he won the grand prize and then no longer had to submit his work to the selecting committee.

記が彫り出す人物像は自画像や、お気に入りの女性スタッフ、漫画の主人公だったり、時には動物も加わることがある。制作の手順は以下のようになされる。まず丸太へ直に下描きの線を入れる。その線に沿ってノミと木槌で彫り始める。線の上をノミが辿ると下描きは消えていくので、また描いては彫り、彫っては描き、を繰り返し、形が表れてくる。そこでマーカーやポスカによる着彩が始まるのである。鮮やかな色彩で飾られた顔や身体は生命を得て、それぞれ存在を主張している。もとが丸太だったことが想像できるほど木の外形を留めているものは少なく、みなその場で立ち上がってきたものと見える。

The figures Ki carves are modeled after himself, his favorite female staff, a protagonist of a cartoon, and sometimes it could be an animal. The production process is as follows. First the draft is drawn directly on the log. He starts to carve along the lines with a chisel and mallet. As the chisel carves along the draft, the lines disappear, and he repeats drawing and carving so that an overall form appears. Then he starts to color it with marker pens and Posca. The brightly colored faces and bodies are given births and assert their individual existences. Few of them keeps a log shape that no one can tell the original form, and they all look like they sprang up on the spot.

人や動物の顔と身体のように見えるもの、風景あるいは乗り物のようなつながりのある形も、すべて細かいグリッドやハッチングで埋められている。簡単な線描で捉えた顔の形を大小重ねた層には疎密があり、図案化がなされているかのようだ。鳥や建物が描かれた作品は、余白が多く完成途上にも見える。この線の疎密さや完成度の違いはどうやら制作と生活の切替え時機によるものらしい。冨山は日々手を休めることなく制作を続けている。所属施設の職員が声をかけたときにようやく制作の手が止まる。作業を再開したときには、前に描いていた部分とは離れた、紙面の他の地点へ手が移動することもあり、たまには同じ場処から充填が続けられることもある。こうして全体が線と色彩で満たされた画面もあれば、余白が新たな図案の可能性を創り出すものとなることがあるのだ。

Those which look like the face and body of a person or an animal and connected forms such as landscapes or vehicles are all filled with minute grids and/or hatching. The layers of large and small facial forms captured by simple lines are sparse or dense, and look as if they were designed. As for his works depicting birds and buildings, a lot of margins are left and they look like they are to be completed. This sparseness and density and the differences in perfection seem to be due to the timing he switches between creative production and everyday life. Tomiyama keeps working on his production every day without rest. When the staff at the facility speaks to him, he eventually stops working. When he restarts production, he sometimes starts from a spot different from where he has finished. And occasionally he continues to fill it in from the previous spot. Therefore, some planes are filled with lines and colors while some other margins offer some new design possibilities.

施設で暮らしていた西之原だが、中に自分だけのための小屋を建て、自ら整えたアトリエで制作三昧の日々を送っていたそうだ。カレンダーの裏面など手元にある紙を探し、ときにはスケッチブックが支持体となることもあった。画材は主に色鉛筆、そしてマーカー、ボールペン、水彩絵の具を使い分けた。描く題材は旅行や外出時に眼にした風景なのだが、メモをとり、施設に戻れば記憶が鮮明なうちに、描き始める。
生活圏から離れ、観光地を訪れた体験に基づくものだけに、遊びの気配溢れる愉快な光景が描き出された。場所が導き出す空想も交えているのか、実景に拠ったものとは思えない絵物語の世界が出現している。「諸国滝巡り」には江戸時代の人物たちが催す宴の場面が描かれ、内部観覧が許されてない「金閣寺」にも大勢の人々がいる室内まで見える。
全国各地で開かれる数々のアール・ブリュット展にも出品してきたが、昨年惜しくも逝去した。

Living at the facility, Nishinohara built a hut for himself there and made it into a studio, giving all his time to create works. He looked for paper at hand such as the back of a calendar and sometimes a sketchbook was his support medium. He mainly chose form color pencils, marker pens, ball-pointed pens and watercolors. The subjects he depicted were landscapes he saw during trips or when he went out, and he took notes sothat he could work on them right away back in his studio when his memory was still fresh.
Going out of the sphere of his life and drew what he experienced at tourist resorts, he could depict humorous scenes filled with feelings of pleasure. His imagination has probably increased based on the atmosphere of the place. He showed the imaginary world far from real scenary. In “Shokoku Taki-meguri” the scene of a party held by people living in the Edo period was drawn while in “Kinkakuji (Golden Pavilion) Temple” the temple’s interior which is not allowed to enter is crowded with many people.
He participate in a number of Art Brut exhibitions held around Japan, but regrettably he passed away last year.

毎朝、家族の誰よりも早く新聞受けに朝刊を取りに行きつぶさに眼を通すのが喜舎場の日課である。主目的は記事に並んでいる漢字を採集することにある。その朝見た漢字は喜舎場の脳に登録され、そのメモリから文意や語順は関係なく漢字が単発で選び出され、紙に石垣を積むように並べられる。幼少時から文字に関心が深く、見たり書いたりしていたという。15歳の頃、今の様式でぎっしりと漢字を詰めこんだ作品が登場した。一枚の紙を埋め尽したものは少なく、低い台地か崖のように紙の下辺に集中していたり左列に偏り大きな余白を残したものも多い。若竹福祉会に通所を始めた2001年以降はカラーマーカーを使って文字を書いたり、文字がドットに変わった。それが同じように順序よく並べて余白を残す作品へと展開した。違いは漢字の場合、左下隅に始点があり横か縦一列から埋めていくところを、四周から詰めていき同心形の余白にもドットが散らばっていることか。

It is Kishaba’s routine to go to the mail-box to pick up morning papers before any other family member does, and read through them. His primary purpose is to collect kanji characters printed in the articles. The kanji characters he saw that morning were registered on his brain, then they are called out from his memory regardless of the context of sentence or word order. They are put in a row as if he were piling up a stone wall on paper. He has been so much interested in letters since childhood and he liked seeing and writing them. At the age of 15, his style of filling in kanji characters as in the present style emerged. Few papers were filled up. In many cases, the letters are concentrated below like a low plateau or cliff or are inclined to the left side leaving a huge margin. Since he began to attend Wakatake Fukushi Kai in 2001, he started writing characters with color marker pens, and those characters changed into dots, and he started to line them up in order just as he filled in a piece of paper with kanji characters leaving blanks. The difference is that in case of using kanji characters, he started from lower left and filled the paper either in the horizontal line or vertical line. In case of dots, he started from all four corners and sprinkled dots in concentric margins.

街頭掲示板といえば、いまではガラスケースに入れられているので、ありえないことだが、ひと時代前、剥き出しに映画や催し物のポスターなどが貼られていた頃は、貼り重ねられ風雨に曝されて、いくつもの下の層が剥き出しになっていたりした。そんな懐かしい情景が思い出されるような、文字が幾層にも貼られたパネル画が佐久田の作品である。画面内はほとんど文字で埋め尽くされている。手書き文字や印字されたものではなく鋏で切り出されたものだ。この切抜き文字のコラージュが佐久田独特のスタイルを作りだしている。
文字は食堂のメニューのように食べ物の名前と、値段を示すのか、数字も書かれている。その隙間に腕を振り上げ戯画化された人物像が配置されている。ポスターになっている「パリ・シリーズ」には、「パリ」の文字ほか、車椅子の人物や黒猫、街を行き交う女性たちの姿も見えて、シャンソンが聞こえてきそうな街頭の賑わいが伝わってくる。

Now a street bulletin board is in a glass showcase, but some time ago when they were uncovered, posters of movies and events were displayed on top of another, exposed to rain and wind, and many underlayers were showing. A panel painting in which letters are pasted in many layers reminds us of such an old bulletin board and it is Sakuta’s own work. The picture is almost filled with letters. They are neither handwritten nor printed and are cut with scissors. This collage of cut-out letters is a style unique to Sakuta.
The letters show names of dishes like a menu at a restaurant and there are also numbers which probably show prices. In between them are caricatured figures raising their arms. In his Paris series, which is used for a poster, the letters “Paris,” a figure in wheelchair, a black cat and women walking down the street are shown, and it conveys liveliness of the street so that we can imagine hearing the sound of a chanson.

ビザンチンの宗教壁画に登場する人物のように両手を上げたポーズが多い女の子の肖像、どうやら藤野本人の自画像らしい。手鏡を見ながら描いていたそうで、顔の輪郭が鏡の縁そのもののような楕円形になっているものもある。楕円形の中には文字が書かれていたりする。しかも正面文字もあれば、左右逆転したものもある。鏡文字である。鏡を覗いたらそこには眼や鼻ではなく文字が見えたのか。モデルは自分だけにしても、先端を様々な形に縛った髪型は変化に富み、そして顔より下にはお洒落な服装が続いている。藤野がこの肖像画シリーズを描いたのはごく初期の頃で、現在ではこの女子像が立体になった人形を数多く作成している。2001年以来現在まで、毎年沖縄県内各都市で開かれている「アートキャンプ 素朴の大砲」に参加してきた。

Portraits of girls, mostly raising both arms up like a person in a Byzantine religious mural, look like portraits of Fujino herself. She drew them while looking at herself in a hand mirror, and some of the outlines of her face are in oval shape just like the rim of the mirror. Inside the oval shape, letters are sometimes written, and they could be normal letters or mirror writing (palingraphy). The left-right reversed letters are mirrored ones. Did she see letters instead of her eyes and nose when she tried to look at herself in the mirror? Though she is always the only model, the hairstyle varies with the tip tied in different ways, and the fashionable clothes are seen below her face. Fujino worked on this portrait series in the beginning of her creative activities, and at present she makes a lot of three-dimensional female figures. Since 2001 to the present, she has participated every year in “Art Camp—Simple Cannon” exhibitions held in different cities in Okinawa.

全紙サイズの紙に黒色のペンのみで絵を描いていたが、2016年には、12色のマーカーを用い、絵に色彩をつけ始め、また2019年からは、大きい紙にモノクロの作品を描くようにもなった。これまで描いた作品は、大小様々1,500点に及び、中には14mの大作もある。画面をよく観ると、文字や数字がこと細かに記されていることに気づく。ある部分には、何かの理論や数式のようなものが、またある部分には、誰かに向けて発せられた台詞やダジャレなども見られる。ありとあらゆる場面を構成要素としながら、壮大な一つの風景を確立している。絵を見ていると、作者の頭の中に広がる並行世界を覗き見ている気持ちになる。

Yonaha used to draw on all sizes of paper only with a black pen. In 2016, he started using 12 color markers to add color to his work. From 2019, he started to draw in black-and-white on large paper. To date, he has drawn 1,500 pieces, both large and small, some of which are 14 long. If you look closely at the drawing surface, you can notice the letters and numbers are written in minute detail. You can see something that resembles a theory or mathematical formula in one part. In another part, you can see dialogues and puns. All sorts of scenes are used as compositional elements to create magnificent scenery. When you're looking at the drawing, it feels as if you were looking into a parallel world that is the extension of Yonaha's mind.

最近まで五則野わらじという名前でアール・ブリュット展をはじめとする数々の展覧会に出品してきたCANKTLEが、新しい美術家名で登場したのは、東京藝術大学美術館で開催された「あるがままのアートー人知れず表現し続ける者たちー」以来である。CANKTLEは、精神を病んだある時期から絵を描き始め、描くことが自己解放につながり、制作を続けてきた。CANKTLEの描画は、漫画用紙に丸ペンで描く細かな線を次々とつないで形が積み上げられる。無意識に重ねていく線の連なりが等高線のように様々な密度で組み合わされ、画面の濃厚度が決定される。線の隙間が縮められ延ばされ密な部分と空白の多い画面が隣接し形が整う。こうして植物細胞を顕微鏡で覗いたかのような極小の視界が表れる。B4の用紙をついで大画面の一作品が構成される。継ぎ目が少しズレていたり、描画のない紙面が一部に生じることもある。今回の出品番号128の作品にある左下の余白がそれである。

It has been since the exhibition “Art as it is—Expressions from the Obscure” held at the University Art Museum, Tokyo that CANKTLE, who has exhibited his works in many exhibitions including Art Brut Exhibition under the name of GOSOKUNO Waraji, appeared under a new artist name. CANKTLE started to draw pictures after he became mentally ill, and he continued to draw because drawing liberated his self. He draws thin lines on cartoon paper with a “maru-pen” nib, continuing to connect shapes one by one, and pile them up. Rows of lines subconsciously drawn in succession are laid out in different density like contour lines to decide on the denseness of the picture plane. Gaps between the lines are either shortened or prolonged, and the dense area and the sparse area are adjacent to each other to give them a shape. In this way, a microscopic view surfaces as if you looked at plant cells under a microscope. Many B4-size sheets are connected to make a single work of large picture plane. Sometimes the seam shifts position and part of the paper is left blank without drawing. The margin at the bottom left in a work no. 128 is such an example.